Oktubre cumple 40 años: el disco que diagnosticó una época sin piedad

En octubre de 1986, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota lanzaban 'Oktubre', su segundo disco de estudio. Lo que vino después fue más que un álbum: fue un mapa sonoro de la distopía que atravesaba a la Argentina y al mundo en plena Guerra Fría, grabado con una formación que incluía a Skay y Tito 'Fargo' D'Aviero en guitarras, Semilla Bucciarelli en bajo, Willy Crook en saxo, Claudio 'Piojo' Ábalos en batería y El Indio Solari en voz. A ellos se sumaron la percusión electrónica de Claudio Fernández y los teclados y secuenciadores de Daniel Melero, que empujaron a la banda hacia la vanguardia de la época.

El productor del disco imprimió una marca sonora que generó debate: el uso intensivo de la cámara de reverberación sobre la voz del Indio y las guitarras de Skay. El resultado fue un sonido frío, procesado y expansivo que a Crook no le terminaba de convencer, pero que le dio al álbum una atmósfera única, perfecta para el clima que las canciones describían.

Las canciones como diagnóstico político

El contexto que rodeó la grabación no era menor. La amenaza nuclear dominaba la geopolítica global, los procesos revolucionarios del siglo XX se derrumbaban o se traicionaban, y en Argentina el entusiasmo democrático inicial empezaba a agrietarse: la inflación avanzaba y las presiones militares por la impunidad se hacían sentir, lo que poco después derivaría en las leyes de Punto Final y Obediencia Debida.

La pluma de Solari capturó ese clima con una precisión que ningún otro artista de su generación logró igualar. 'Fuegos de octubre' y 'Canción para naufragios' abrieron el disco con un lirismo épico y amargo. 'Preso en mi ciudad' retrató la paranoia urbana y el control social. 'Música para pastillas' anticipó el rol anestesiante de la psiquiatría y la farmacología sobre la clase media. 'Divina TV Führer' y 'Motor psico' apuntaron directo contra la manipulación de los medios y las adicciones como refugio individual.

En el centro del álbum apareció 'Ji ji ji', una canción sobre el colapso nervioso y las adicciones duras sostenida por un riff de guitarra de Skay construido casi como un mantra. 'Es un poco la paranoia de la droga', explicó El Indio en una entrevista con Rolling Stone. 'Yo estoy hablando de la psicopatía, de la paranoia, de todos esos males del promedio de la cultura del rock', agregó. Con el tiempo, ese tema se convirtió en el clímax inevitable de cada show en vivo.

Los shows de presentación y los cambios en la formación

El disco se presentó en vivo en dos funciones en el Paladium, los días 18 y 25 de octubre de ese mismo año. Para esas fechas se incorporó el tecladista Andrés Teocharidis, quien luego pasó a integrar la banda de manera estable, pero falleció poco tiempo después sin ser reemplazado.

Tras la salida del disco, la formación empezó a cambiar. Tito Fargo y 'Piojo' Ábalos se fueron primero, y al año siguiente también lo hizo Willy Crook. En su lugar llegaron Walter Sidotti en batería y Sergio Dawi en saxofón, la dupla que completó la alineación que llevaría a los Redondos hacia el fenómeno masivo de los años noventa. Shows multitudinarios, tragedias, prohibiciones municipales y un final tan abrupto como su propio universo lírico son el capítulo que siguió a esta historia, cuyo segundo párrafo cumple hoy cuatro décadas.